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灵感家莫奈作品赏析
发布时间:2018-10-05发布人:浏览量:818

莫奈(Claude Monet,1840年11月14日-1926年12月5日,天蝎座),是法国最重要的画家之一,印象派代表人物和创始人之一,印象派的理论和实践大部份都有他的推广。

莫奈擅长光与影的实验与表现技法。他最重要的风格是改变了阴影和轮廓线的画法,在莫奈的画作中看不到非常明确的阴影,也看不到突显或平涂式的轮廓线。除此之外,莫奈对于色彩的运用相当细腻,他用许多相同主题的画作来实验色彩与光完美的表达。灵`感`家莫奈曾长期探索光色与空气的表现效果,常常在不同的时间和光线下,对同一对象作多幅的描绘,从自然的光色变幻中抒发瞬间的感觉。



莫奈一生遗留500件素描,2000多幅油画及2700封信件。足迹由巴黎大街到地中海岸,从法国到伦敦、威尼斯、挪威,在各地旅行写生,留下无数的作品。本网已收录莫奈作品1200余幅。


其中《日出·印象》是印象派名称的由来,《鲁昂大教堂》系列是画家的第一个系列作品,《睡莲》系列是莫奈的艺术巅峰之作,也是印象派的集大成。


布上油画 48×63cm 巴黎马蒙达博物馆藏


      《日出·印象》是莫奈的代表作,描绘的是勒阿弗尔港一个多雾的早晨,在由淡紫、微红、蓝灰和橙黄等色组成的色调中,一轮生机勃勃的红日拖着海水中一缕橙黄色的波光,冉冉生起。海水、天空、景物在轻松的笔调中,交错渗透,浑然一体。近海中的三只小船,在薄雾中渐渐变得模糊不清,远处的建筑、港口、船舶、桅杆等也都在晨曦中朦胧隐现。直接戳点的绘画笔触描绘出晨雾中不清晰的背景,多种色彩赋予了水面无限的光辉,并非准确地描画使那些小船依稀可见。真实地描绘了法国海港城市日出时的光与色给予画家的视觉印象。这种对绘画语言本身的探索为后世许多画家所接受,从而形成了以印象派为起源的大潮流,艺术踏上了迈入现代的旅程。

《鲁昂大教堂》系列

 


    在十九世纪八十年代和九十年代,莫奈开始了系列绘画创作,即在不同的光线和角度连续画同一个物体。他的第一个系列作品《鲁昂大教堂》就是在不同的角度和一天中不同的时间来画。1895年,从20个不同角度对大教堂所作的画在迪朗德—吕埃尔(Gurand-Ruel)画廊展出。

我们从画面上可以看到莫奈对光和色彩的执着探索;在光照下教堂的轮廓被冲淡了,显得很微弱,随着光的变化引起色彩的改变,教堂形态也发生了变化。画家注意捕捉每一瞬间表面色彩之幻影与长久不变的形体结构的对比关系。画家运用浑厚的笔触层层叠加画法,形成大片的碎块厚涂,使教堂具有分量和体积感,给观者缥缈而又神秘的感觉。

 


 

莫奈毕生致力于光与色的研究,光是他画中永恒的主角。为了研究不同时间阳光下景物的色彩变化,莫奈共画了20幅这座教堂的连作 。

鲁昂大教堂是一座哥特式大教堂,它的正面有着丰富的起伏变化,在阳光的照耀下更显得变幻莫测,神秘感人。很多繁琐复杂的细部,一般画家都不愿接触这个画题。但是对莫奈来说,正好提供了光线反射而造成的光斑。真正激发莫奈兴趣的,并不是大教堂哥特式的建筑本身,而是投射到教堂正面上的光和影跳动。


鲁昂大教堂

灰色和玫瑰色交响曲

 

鲁昂大教堂

魔术蓝

 

在强烈的阳光照耀下,教堂的墙体泛出耀眼的白灰色反光,光线使教堂结构模糊迷朦,哥特式的券拱门窗像一只只深不可测又似飘忽不定的怪眼。他依据阳光不同时刻在教堂粗砺壁面上的投射效果,精微观察写生。莫奈为了把握光与色的无穷变幻,他追踪阳光,同时张起数块画布,每当光线偏移,就立即在另一幅相应的画面上作画。石壁的本身是灰色,但是在组画中却呈现的是色调丰富而又朦胧的金色、褐色、青灰色或类似于康斯太勃尔雪白的色点。

 

 

 

在画面的处理上,他并不用细腻的笔触去详细刻画建筑的细部,而是捕捉住在阳光照耀下墙面在一瞬间给人带来的灿烂的印象。莫奈有着极好的艺术家素质:他有着敏锐的观察力(这也得益于少年时代勤于画讽刺漫画),丰富的想象力,对色彩的准确表现力和概括力。他善于从光与色的相互关系中发现前人未发现的现象,把全部的精力都花在光线与色彩效果的研究上

 

黎明时的鲁昂大教堂

 

                                                             傍晚时的鲁昂大教堂

                                                                  和谐的棕色

 

他能准确的捕捉视觉对色彩的瞬间感受,使作品充满生命力和激情。对于光和色的研究在这里成了莫奈唯一的目的,为了新鲜直观的视觉效果,他无暇去调配颜料或是慢条斯理地分析色彩,而是创造了一种新的绘画技法来适应瞬息万变的大自然。

以迅速的笔触将颜料直接堆放到画布上,舍弃不必要的细节,而加强画面的色彩氛围感。运用这种方法的结果,对象的形和轮廓减弱了,有一种草图似的效果。只看见斑斓的色彩铺满整个画面,而没有结实清晰的形象。

 


 

莫奈曾经说过:“当你画画时,要设法忘掉你眼前的形体,一棵树、一片田野……只是想:这是一块蓝色,这是一长条粉红色,这是一条黄色,然后准确的画下你所观察到的颜色和形状,直到它达到你最初的印象为止。”正是由于描画同一对象的色彩变化,所以画家把这座结构坚实的哥特式建筑,化成了一团又复杂反光,充满色彩旋律和光的结晶的软绵绵的物体。

几乎没有哪位画家能够对这同一对象画出如此多变幻莫测的色彩风貌,莫奈对色彩的敏感和研究的深入,使他无愧于印象主义大师的美誉。由于他强调笔触的迅速和印象中的色彩堆置,已使得从此时的画面开始变成了色点之间的闪烁。这一点深深的影响了十多年后新印象主义的产生,他们把用色点来作画成为单独存在和合构成画面的唯一方法,将这种画法加以发展,推向了极端。

 

 
 

他是在为了表现色彩本身而进行创作,题材对他来说只说一种载体,是次要的。他认为光与大气的奇幻效果比绘画的主题要重要得多,无论什么都可以入画,这和传统风景画要求要有情节或是可以入画的完整内容完全相悖。

他在同一观察点同时展开数张画布,每块画布只在同一时间画上10~15分钟,每天同一时刻在相同的光线下工作,经过两个月最终完成了20多幅。庄严的哥特式教堂在他的眼里,成了一簇充满着色彩旋律的光的结晶,人们已经看不到建筑物本身的结构,只有一层刺眼的复杂的反射光。莫奈以对自然光色的视觉印象为依据,将瞬间即逝的色彩变化淋固在画面上,使它神奇而辉煌地呈现出色调表情来.那最精彩的画面,评论家称之为”大气的戏剧”

 


阳光下的鲁昂大教堂

 

这样一组画就像一个完整的乐章的一样构成了一个整体。这些作品完全成了色彩的交响曲。他也描绘了主教堂在晴天和阴天的不同色彩表现,以及从清晨到黄昏的不同景象。从黎明的薄雾画到昏昏目落,不断在好几幅画布上记录建筑物在阳光下的反射光变化。

 

 

 

 

 

 

《睡莲》系列

莫奈一生画的睡莲作品很多都属于组画,所谓“组画”,就是画家在同一位置上,面对同一物象,在不同时间、不同的光照下所作的多幅画作。区分它们的,仅仅只是大师对光与色的瞬间捕捉。这大概是莫奈晚年作品中的一个特色。《睡莲》系列作品,从1897到1926年,莫奈总共画过181幅。

 

 

 

 

 

  莫奈在《睡莲》的画中竭尽全力描绘水的一切魅力。水照见了世界上一切可能有的色彩。水在莫奈的笔下,完全成为世上所能有的色彩绘出的最奇妙和富丽堂皇的织锦缎。马奈称他是“水的拉斐尔”。
评论家瓦多伊的评价是:“他早期的那些画没有一幅能与这些难以置信的水上风景相提并论的,因为这些画把握了春天,把它留在人间。画面的水呈浅蓝色,有时像金的溶液,在那变化莫测的绿色水面上,反映着天空和池塘岸边以及在这些倒影上盛开着清淡明亮的睡莲。在这些画里存在着一种内在的美,它兼备了造型和理想,使他的画更接近音乐和诗歌。”

 

 

 

 

 

诗人马拉美在1885 年描述了他眼中的睡莲池:“它浓浓的白,包含着一个空无所及的梦,包含着一种永不存在的快乐。我们所能做的只有继续屏息,向那幻影致敬……在意外的脚步来临之前,在我走开的时候,这朵完美的花儿在升起的水泡中清晰可见……”

作为印象派的创始者与最高成就者莫奈一生都在追逐自然界的光与影。很少有人像莫奈一样针对同主题专门描绘不同季节、不同光线和天气状态下的色彩变化。而他重要的系列名作如稻草堆、白杨、教堂和花园,都是到吉维尼之后20年内完成的,其中包括集印象派之大成的《睡莲》。这些作品不仅成为法国艺术的瑰宝,更成为世界艺术的珍品。

 

 

 

 

 莫奈将他对东方艺术的体验转换到了花园营造上,日本桥、竹林都是日本园林的元素,但是,莫奈仍然坚持园林设计是来自视觉的需求,池边的花草依然严格按照四季时令和植株高低来种植;而睡莲池畔的植物,则可以透过水面的反射,产生倒影,以营造梦幻的气氛。

那时的莫奈凌晨3 点就起床,一连几个小时坐在睡莲池畔,感受和自然的心灵交融,捕捉不同季节、不同气候乃至一天的不同时刻里,花与水在光的闪烁和风的流动中,变换颤动的瞬时效果,把这种稍纵即逝的印象复述到画布上。

在生命的最后几年,白内障手术成功的莫奈致力于今天放在橘园美术馆的巨作《睡莲》,那时的他用色更加自由和率性,甚至用上了黑色和混浊的中性色;构图也更为涣散,常常只剩下线条感。尽管很多人都认为视力问题影响了他的晚期画风,但莫奈坚持自己没有脱离他遵循的现实原则:“我只是观察了世界所展示出来的一切,并用笔记录下来。”不管结论如何,当花园里的一切归于寂静,只有睡莲缓缓地吐纳,或许这就是莫奈晚年的写照。


 

 

 

 

《睡莲》是莫奈晚年的作品,以令人叫绝的技法,在垂直的平面上描绘出波光粼粼的水面向远处延伸的视觉效果。在大师的笔下,睡莲的叶子是纯绿色的,而花朵却像暗红的火焰。看似随意的彩色线条笔触柔美,似乎让水流动起来,又像是捉住了一瞬间水面似真似幻的光和影

 

 

莫奈晚年对色彩的研究已经炉火纯青,对光与色认识的深度已经无人能及。莫奈的睡莲看整体效果时你会觉得他喜欢用灰调子, 其实走近看他的色彩是非常饱和的,纯度极高, 他喜欢堆极多的层次,经过电脑分析,有的居然高达15层。

海滨公园打伞的女子(卡美伊)

 

整个画面给人的感觉是朦胧的梦中场景,莫奈用大小比例及覆盖遮挡的方法巧妙的区分了妇女,小孩,天空的空间关系,表达的很到位。他已很好地捕捉光影和画中的瞬间印象感觉。画中女人面部和上半身都用上较暗的色彩,表明是处于阳伞的阴影之下,而整个阳伞、面部、衣裙和草地上的阴影区,与女人衣裙上向光一面的光影形成对比(小儿子方面也一样),女人摆动的头巾和长裙上的绉褶也加强了画面的动感。


 

 

撑阳伞的女子

莫奈画于1886 年悼念亡妻卡美伊的作品。人物形象很模糊,连五官和表情都看不见,但随着笔触堆叠的方向,可以感受到草原上吹拂的微风和女子丝巾上跃动的阳光。卡美伊因病死于1879 年,时年37 岁,莫奈在同年画下了《临终的卡美伊》,画中以忧郁的色调、纷乱的笔法,传达出失去爱妻的悲伤。

他曾经这样描述他作此画时的感受:“在我最亲爱的女人的病床前,我发现自己很本能地在这张木然的脸上逡巡,寻找死亡带来的色彩,观察颜色的分布和层次变化……我已经主动迎接色彩的冲撞了。”妻子死亡时,他竟还能如此冷静地解构、分析。

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